Rafael Toral: odisseia no espaço

Rafael Toral acaba de editar um novo disco, Space Quartet, gravado com Hugo Antunes, João Pais Filipe e Ricardo Webbens (edição Clean Feed). Em paralelo, a editora Drag City, de Chicago, acaba de reeditar em vinil dois discos que já se tornaram clássicos da música ambiental: Sound Mind Sound Body (de 1994) e Wave Field (de 1995). No momento em que assistimos a estas edições, Toral concede uma entrevista exclusiva: faz uma retrospectiva sobre o seu Space Program, apresenta o novo trabalho em quarteto e fala sobre as reedições.

Quando saí do período de transição (entre 2002 e 2004) em que defini como iria funcionar a nova abordagem musical, tracei todo o plano de uma vez. Assumi um compromisso com um mapa de acção. Comecei por lançar Space, que serviu como enunciar de intenções e apresentação de matérias, sob a forma de uma orquestra electrónica em que eu toquei todos os instrumentos (excepto a participação de Sei Miguel e Fala Mariam). Depois duas séries de discos, uma de gravações a solo (Space Solo 1 e 2) e outra de composições minuciosas com colaboradores próximos como César Burago, Riccardo Dillon Wanke ou Manuel Mota, e convidados, como David Toop, Tatsuya Nakatani ou Evan Parker. Desta série resultaram os álbuns Space Elements I, II e III. Ao vivo, estabeleci uma série de mapas de exploração de possibilidades em fraseado para cada instrumento a que chamei Space Studies, acho que foram oito. Mais tarde, comecei a dirigir formações cujo número indicava de quantas pessoas se compunha — o Space Collective, cuja aparição mais recente produziu o Moon Field. Estas formações tocavam num regime mais ou menos aberto quanto ao conteúdo das partes individuais mas estas eram cronometradas e aplicadas segundo uma partitura. Daí deu-se o salto para o Space Quartet, que opera de modo semelhante quanto aos materiais, mas cujas partes já são decididas autonomamente pelos músicos, sem partitura e sem sincronismo. No plano pedagógico, tenho oferecido o Space Program Workshop, dirigido a músicos de electrónica na óptica do hacking ou circuit bending, que trata não da tecnologia mas do que fazer com ela. Um trabalho sobre escuta, articulação e estruturação de discurso musical. Hoje, o programa discográfico está completo e encerrado, mas o trabalho que continuo a desenvolver cresce a partir do que fiz nestes últimos 15 anos.

Sobre este disco Space Quartet: porquê escolher este quarteto com estes músicos (Hugo Antunes, João Pais Filipe e Ricardo Webbens)?
O quarteto foi-se formando e é uma expansão do Space Trio. Estas formações são conceitos, ou seja, formações-tipo que funcionam com certos princípios. Com os anos de evolução do trabalho com o Ricardo Webbens, cuja intuição é surpreendente, pensei criar uma espécie de “secção” de electrónica com autonomia de ambas as vozes para fraseado solístico, o que já sabia ser muito arriscado. Desde que conheço o João Filipe sempre gostei muito da sua amplitude de movimentos, capaz de um free articulado com muita clareza (como tudo o que faz) como de um groove jazz-rock, ou de abrir espaços largos com os gongs e sinos ou de padrões que até lembram um estilo “industrial”. Para mim é importante esta capacidade de atravessar fronteiras de estilo com à-vontade, não numa óptica de hibridização mas de liberdade estilística. Exactamente o mesmo se aplica ao Hugo Antunes, ataque claro, som profundo e uma versatilidade enorme com espírito inventivo. O grupo funciona lindamente, e a primeira vez que tocou, materializou instantaneamente música que eu tinha na cabeça há anos!

Este disco inclui quatro temas, que foram gravados em Lisboa (2), Porto e Coimbra. Que ideias quiseste transmitir com esta música?
É uma pergunta muito grande… Mas no fundo, a ideia sempre foi só uma. A de promover uma forma musical que servisse como metáfora para as múltiplas dimensões da noção de espaço na nossa vida. Nas relações pessoais, por exemplo, não só criamos espaço ouvindo o que o outro diz em vez de falar por cima, como por exemplo perguntando porque agiu de certo modo em vez de tirarmos conclusões apressadas. Isso é dar espaço. Ou como, estando distraídos em pé na soleira de uma porta estorvamos quem por ela quer passar (na verdade isso pode chamar-se “ruído no espaço”), em vez de escolhermos onde estar de modo a não perturbar a dinâmica dos movimentos. Isso é criar espaço. Mas também a asfixia do espaço mental, visual, aural, com o bombardeamento de mensagens, ideias, mentiras e requisitos de atenção, a falta de silêncio e de nada. Na música também se sente falta de espaço, não falo de géneros que se definem pela saturação do mesmo, mas daqueles em que os agentes podem decidir quando e como tocar. Aí o espaço traduz-se em silêncio e se há muitos músicos que têm uma maneira natural de o respirar, também os há para quem o silêncio é quase uma aberração. O silêncio é por isso a base e a chave de todo o Space Program, e da sua continuação sem nome. Também é central aqui a noção de agência e de autonomia, a capacidade de decidir e de assumir responsabilidade pelas decisões – o que se materializa no fraseado, que é uma noção tipicamente estranha à electrónica em geral. Quis então dar corpo à ideia que a electrónica pode ser mais orgânica e visceral, mais humana, sem se ter a si própria como assunto – tal como acontece naturalmente com o saxofone, por exemplo. Por isso ainda existe “música electrónica” mas não existe “música de saxofone”. A música electrónica precisa de querer ser só “música”. Mas enfim, tendo percebido que a música que queria fazer tinha um modo de funcionar muito semelhante ao do jazz, acabei por chegar a esta forma – olhando o jazz como ponto de chegada – o que a meu ver torna esta formação peculiar, porque em toda a história da electrónica no jazz, este é o ponto de partida. Porém falamos de um eixo, que a música viaja por outros territórios…

Este é o ultimo disco do Space Program? Serão editados mais discos, que já tenham sido gravados previamente?
O último disco do Space Program, em rigor, foi o Space Solo 2. Desde aí já saíram Moon Field, Saturn e Space Quartet, todos eles claros “herdeiros” dessa linhagem, mas, cada um a seu modo, já imbuídos de um espaço de liberdade que aponta noutras direções, agora que já não estou obrigado à disciplina das séries. Ou seja, há continuidade, não há nenhum claro “pós-Space Program”, apenas estes discos já estão fora da estrutura que descrevi acima. Estou agora a finalizar a masterização de um disco em trio com Jim Baker e Steve Hunt, gravado em Chicago, e antes desse ainda deverá sair outro trio também de Chicago, com Tim Daisy e Mars Williams. E tenho mais discos novos na cabeça do que tempo para os gravar…

São muito oportunas, foi uma oportunidade muito grata para revisitar e rever aqueles trabalhos. O Sound Mind Sound Body, tendo tido que ser um LP duplo, ficou com espaço no lado D por utilizar, e decidi gravar pela primeira vez em estúdio uma peça da época (1988), a AE 2. Foi um trabalho profundo, as capas foram feitas de novo e estão finalmente conseguidas a 100%. É uma sensação muito gratificante olhar para trás e ver que coisas que fiz com vinte e poucos anos cresceram no tempo, ganharam dimensão e significado histórico, e envelheceram, felizmente, muito bem. Ou nem envelheceram, soam frescas, já alguém escreveu… O Wave Field também parece continuar a ser um objecto ímpar, e parece-me muito feliz o desafio para o revisitar. Estou a preparar uma reformulação da peça, a partir das pistas originais mas com tratamentos novos embora alinhados com a sua identidade e objectivo. Além disso, essa expansão no tempo também o será no espaço, com uma distribuição em surround numa configuração hexagonal. Não vou tocar guitarra nem haverá vídeo, como antes, vou operar a espacialização na mesa, e espero que dentro do hexágono aconteça magia.

Tenho que conseguir realizar os projectos que tenho em mente, para lá do que já enumerei… mais trabalho com o Space Quartet, eventualmente com novas formulações, e também novos projectos que vejo como abrindo espaço a dados vindos da minha experiência mais antiga com música ambient, o que também é um ajustamento ao tempo que vivemos agora. Sinto que precisamos de parar mais.