Livro: “As Serious As Your Life” de Val Wilmer

O livro “As Serious As Your Life” de Val Wilmer acaba de ser reeditado. Aqui fica um texto sobre o livro, publicado originalmente na revista Mondo Bizarre em Abril de 2005.

Val Wilmer
“As Serious As Your Life”
(Serpent’s Tail)

Dedicated to Ed Blackwell, Dollar Brand, Don Cherry and the late Jimmy Garrison, for a memorable night at Ornette’s when the music healed my New York blues. Esta é a dedicatória que introduz o leitor à aventura. E o leitor desatento que se previna pois, se não tiver cuidado, ao fim da leitura pode ter algumas dezenas de discos novos a forrar a casa, de artistas com nomes estranhos como Leroy Jenkins, Kalaparusha, Grachan Moncur III ou Sirone. “As Serious As Your Life” é um retrato completo da cena do free jazz, em Nova Iorque nas décadas de 1960 e 1970, que vai para além da música e dos músicos, fala das pessoas, das suas circunstâncias e das suas relações. Val Wilmer conta a grande odisseia do “free”, mas fá-lo com a marca de quem esteve lá, de quem conviveu de perto com as pessoas, de quem ouviu os músicos a tocar a partir da primeira fila. Ao longo de pouco mais de 250 páginas é apresentada uma biografia deste movimento musical, frequentemente designado de “New Black Music” – há ênfase na defesa orgulhosa da cultura negra. O especial (e óbvio) destaque vai para os pilares artísticos fundadores da revolução do jazz: John Coltrane, Cecil Taylor, Ornette Coleman, Sun Ra, Albert Ayler. E alonga-se noutros nomes basilares, mas aqui os bateristas ganham atenção especial em relação aos demais: Sunny Murray, Milford Graves, Andrew Cyrille, Rashied Ali são figuras presentes em múltiplos momentos. Repartida por dezasseis capítulos, esta obra analisa pormenorizadamente os elementos fundamentais desta música de criatividade efervescente: personagens, eventos, organizações e factores condicionantes à criação da arte (o mais citado e recorrente será a dificuldade de fazer da criação artística o modo de vida). A edição deste livro foi um passo marcante para a credibilização de um estilo musical que ao longo da sua história sempre foi desvalorizado, quando não foi mesmo ridicularizado. Mas, como sintetizou McCoy Tyner, o pianista do célebre quarteto de John Coltrane: “music is not a plaything – it’s as serious as your life”. Este livro, tal como a música, é para ser levado muito a sério.

Memória: Entrevista a Anthony Braxton

Compositor e saxofonista, o americano Anthony Braxton é uma verdadeira lenda viva da história do jazz.  Herdeiro da “Great Black Music”, prefere classificar o seu próprio trabalho como “música criativa”. Numa conversa de fim de tarde no anfiteatro ao ar livre da Gulbenkian, Anthony Braxton revela-se.

Quem foram os primeiros músicos que o levaram a ser músico?

Os primeiros músicos que tiveram impacto sobre mim foram Miles Davis, Dave Brubeck e Paul Desmond. Mais tarde fui influenciado pela grande música de Lennie Tristano e Warne Marsh, John Coltrane, Jackie McLean também foi importante, a grande música de Albert Ayler – estive muito atraído pela sua música. Foram principalmente os saxofonistas que mais me influenciaram. Também os meus colegas de Chicago, da AACM, a grande música de Roscoe Mitchell e Joseph Jarman foram certamente influências marcantes.

Acabou de referir John Coltrane e Albert Ayler. Na altura em que começava a tocar, Ayler e Coltrane tinham acabado de desaparecer. Alguma vez sentiu que poderia ser o seu sucessor?

Nunca estive a pensar em termos de ser o sucessor de alguém, queria apenas tocar a minha música da melhor forma que conseguisse. Nessa altura eu fui muito influenciado por esses saxofonistas, mas fui também muito inspirado pela tradição da música escrita – a grande música de Arnold Schöenberg, a grande música de Iannis Xenakis, Karlheinz Stockhausen, John Cage. Pela altura em que eu tinha dezassete/dezoito anos eu já sabia o que queria fazer e não estava a pensar em termos de suceder a alguém, queria fazer o melhor que conseguisse. Continue reading “Memória: Entrevista a Anthony Braxton”

Memória: A guitarra saturnina de Mary Halvorson

[Fotografia: Nuno Martins]

A guitarrista Mary Halvorson já não será uma surpresa para ninguém. O álbum “Saturn Sings”, de composições aventureiras, foi a confirmação definitiva de um talento da guitarra que não vai deixar ninguém indiferente. Começou por tocar violino, mas cedo mudou para a guitarra eléctrica. Teria uns onze anos: “Aborrecia-me tocar em orquestras e nunca gostei muito do violino. Nessa altura comecei a ouvir coisas como Jimi Hendrix e The Allman Brothers e decidi que queria tocar guitarra”. A chegada ao jazz não foi intencional: “o professor de guitarra era músico de jazz, por isso aconteceu por acaso. Além disso, o meu pai tinha muitos discos de jazz em casa e eu comecei a ouvi-los e a ficar interessada.” Desses primeiros discos que lhe chamaram a atenção, a guitarrista refere clássicos: “Kind of Blue” de Miles Davis, “Blue Train” de John Coltrane e uma compilação de Thelonious Monk. Continue reading “Memória: A guitarra saturnina de Mary Halvorson”

Memória: “Schwarzwaldfahrt” de Brötzmann / Bennink

Este texto foi a minha primeira colaboração com a revista Jazz.pt. Fui convidado a colaborar na Jazz.pt pelo Pedro Costa, na altura o director da revista, e esta crítica foi publicada no seu número 6, edição de Maio/Junho de 2006.

Peter Brötzmann / Han Bennink
“Schwarzwaldfahrt
(FMP, 1977; reed. Atavistic, 2006)

No fim do Inverno, dois músicos resolvem passar alguns uns dias na Floresta Negra, numa zona perto de Donaueschingen. Carregados com pão, bacon da região, truta fumada e algumas garrafas de vinho, instalam-se numa velha casa de madeira. Durante o dia vão para a floresta fazer música, música que surge no meio do arvoredo, música livre, improvisada. Com eles levam saxofones, clarinetes e pouco mais – e utilizam tudo o que encontram pelo caminho como instrumento musical. A história aconteceu em 1977 e teve como personagens dois fundadores da livre improvisação europeia: Peter Brötzmann e Han Bennink. Editado originalmente pela FMP, “Schwarzwaldfahrt” reuniu uma selecção dos melhores momentos que o duo gravou durante aqueles dias. Agora, quase trinta anos volvidos sobre a aventura, o disco foi reeditado, com o bónus de incluir um segundo disco com material que ficou de fora da primeira edição. Se à partida a ideia que esteve por trás da aventura já gerava curiosidade, o duo tratou de não defraudar as expectativas. Brötzmann, que é geralmente considerado o mais fiel seguidor de Albert Ayler, pelo teor incendiário do seu sopro, tem aqui uma prestação relativamente calma, distante do tom abrasivo que lhe é habitual. Han Bennink aproveita todos os objectos para fazer percussão e arranca sonoridades surpreendentes. Quase sempre em concordância, utilizando uma panóplia de instrumentos por vezes impossíveis de identificar, os dois músicos constroem fragmentos de ritmos e melodias que se sustentam em diálogo permanente. Sem alinhar em tretas neo-hippies, esta é uma celebração da música e da natureza, da música que nasce na floresta, nas árvores, na água. Pela dimensão que representa, como manifesto de música improvisada, este álbum é poesia natural.

Diatribes ao vivo no Lisboa Incomum

Os suíços Diatribes vão apresentar-se em concerto no próximo dia 30 de Janeiro, às 19h00, no espaço Lisboa Incomum (Festival DME). A formação actual do grupo junta Cyril Bondi (percussão e objectos) e D’incise (computador e objectos). Aqui fica o texto que escrevi em 2006 para as liner notes do álbum “Parenthèse Polonaise“, editado pela netlabel Test Tube.

Diatribes is the name of a 1996 album by Napalm Death. With no apparent relation, Diatribes is also the name of a trio dedicated to improvised music. Originally from Geneva, this trio is Cyril Bondi (drums, percussion), Gaël Riondel (saxophones, clarinet, flute) and Laurent Peter – a.k.a. d’Incise – (laptop, objects, effects). Working exclusively with digital distribution, this swiss trio have released a total of six works to this moment, each through a different label: Edogm, Zymogen, Tulipesä, Insubordinations, Stomoxine and Digitalbiotope. “Parenthèse Polonaise”, their new work released by Test Tube, shows off a band exploring free improv soundworks. On the trio’s website we find three words to classify their sound: free jazz/electro-acoustic/noise. None of them is wrong, but this may not be the absolutely right definition. More than free jazz or noise, this music is descendant of European driven free/improv, in the lines of Derek Bailey, Evan Parker, Han Bennink or Peter Brötzmann. Right on the first track, “Cieszyn 1.1”, there is a percussion sequence which evokes Tony Oxley experiences. d’Incise’s work, on laptop and effects, complements the percussion action, forming a cohesive sound block. Gaël Riondel’s blowing works as contraposition, in an insanely interaction. Sometimes the drums elaborate a certain rhythmic steadiness, but don’t extend it on too rigid formulas, the blowing is strong and inconstant, and the effects sharp ‘round the corners. The recording, with all the background room and audience noise, probably isn’t the most appropriate for audiophile fans, but encapsulates the session’s informality – and, consequently, the expressively freedom of this music. As the most evident example of this trio’s creativity, there is track #11, “Trzebinia 1.4”, where tribal sounds are mixed together with crescendos and noise. The following track, “Bielsko Biala 1.3”, on the other hand goes to more familiar territories; it is a piece closely related to the free jazz of the New York loft scene. Closing the album, an 8 and a half minutes track starts slowly to grow until it arrives to a diabolic free finale. It’s safe to say that these Diatribes don’t come from death metal, but they’re not far from the devil.

Memória: “Ascension” de John Coltrane

Em 2006 o Gonçalo Loureiro convidou-me para escrever um texto para o seu blog “Entrelinhas“. Escrevi sobre um dos discos favoritos de sempre, o clássico (e pouco consensual) “Ascension” de John Coltrane. Aqui fica o texto.

John Coltrane
“Ascension”
(Impulse!, 1965)

Numa era que valoriza a simplificação, o jazz não será certamente a matéria mais fácil para abordagens condescendentes. Cem anos de história investem à música mais genuinamente americana um emaranhado de dados, elementos, personagens e referências que formam uma malha complexa, impossível de reduzir a meia dúzia de palavras. Não é sequer unânime, entre melómanos afincados, a escolha de um nome único que seja o sinónimo da palavra “jazz”. Haverá uma shortlist de candidatos – Louis Armstrong, Charlie Parker, Miles Davis e John Coltrane (Duke Ellington, Ornette Coleman, Dizzy Gillespie, Charles Mingus seriam outros possíveis) – mas nenhum deles consegue aprovação universal. Apenas uma selecção alargada de discos, de vários músicos e das suas várias fases, pode dar uma orientação consistente, ainda assim meramente introdutória.

Entre todos, John Coltrane. Se é que existe um instrumento que seja sinónimo de jazz, esse instrumento é o saxofone, particularmente o saxofone tenor. E Coltrane, o seu máximo explorador, representa o jazz. Desde que surgiu, como sideman, até que se afirmou com a obra-prima do hardbop “Blue Train” (Blue Note, 1957), o seu crescimento foi permanente. E o crescimento continuou desde que marcou presença no hiper-clássico “Kind of Blue” (Columbia, 1959) até fundar o seu mítico quarteto – McCoy Tyner, Jimmy Garrison, Elvin Jones – e daí até às estrelas. Nunca parar, nunca estancar, progredir sempre. Desde que levou o saxofone aos limites da exploração harmónica até à sua aventura pela liberdade total, John William Coltrane (1926-1967), lutou até ao fim pela premissa maior do jazz: a improvisação. Continue reading “Memória: “Ascension” de John Coltrane”

Memória: “Junk Magic” de Craig Taborn

Texto publicado originalmente no site Tomajazz, em Abril de 2005.

Craig Taborn
“Junk Magic”

(Thirsty Ear, 2004)

El catálogo “Blue Series” del sello Thirsty Ear, de cuya dirección se encarga el pianista Matthew Shipp, promueve algunos de los proyectos más interesantes de la vanguardia del jazz inconformista de la actualidad. Siempre explorando nuevos rumbos, este sello no se cansa de presentar proyectos innovadores que son, al mismo tiempo, siempre interesantes y agradables. Ejemplos de ello son las grabaciones de los renacidos Spring Heel Jack (con invitados), del gigante William Parker, del propio Matthew Shipp (a su nombre, liderando la Blue Series Continuum o en colaboración con Antipop Consortium), quienes, entre otros, ya han presentado resultados excelentes. Una de las más recientes ediciones del catálogo es la grabación de una sesión liderada por el pianista Craig Taborn. “Junk Magic” es el resultado de un gran proyecto de Taborn en el que cuenta con la colaboración de Aaron Stewart (saxo tenor), Mat Maneri (viola) y David King, miembro The Bad Plus (batería). Continue reading “Memória: “Junk Magic” de Craig Taborn”